Sono certa che starete già fremendo dalla curiosità… allora, siete pronti?

Si parte… con il solito Swooooosh, naturalmente!

Uno. Alimenta e difendi la tua passione

Questo aspetto è, a mio avviso, il più importante in assoluto. Può sembrare scontato, vero?

Scommetto che stai pensando qualcosa del tipo “ma che mi sto leggendo a fare questo articolo se mi devo sentir dire queste cose così banali ? E’ ovvio che se mi sono imbattuto/a in questo blog, è perché ho la passione per i fumetti e il disegno!”

E invece il più delle volte è proprio questa la cosa più difficile da mantenere.

Questo perché purtroppo le nostre scuole, i nostri metodi d’insegnamento, e di conseguenza anche il mondo del lavoro qui in Italia, fanno di tutto per scoraggiare bambini e ragazzi dall’intraprendere questo meraviglioso percorso professionale. E se non sono i genitori, è la dura realtà con cui si trova ad aver a che fare il bambino, l’adolescente e poi l’adulto che lo porta poi a gettare la spugna una volta per tutte, e a dedicarsi a “cose più serie”.

Ma rifletti bene… non sarebbe forse più appropriato fare una distinzione tra una realtà dura e una realtà spenta?

Mettendo infatti “in guardia” il proprio figlio o la propria figlia sul fatto che se cercasse di intraprendere una carriera basata su ciò che più lo appassiona andrebbe incontro solamente a difficoltà, e senza prendersi la briga di incoraggiarlo a trovare il modo migliore per realizzarsi, a livello educativo si commette un vero e proprio omicidio della persona, così delicata in fase di crescita, e la si spegne anziché rafforzarne il carattere.

C’è una bella differenza! In questo modo si contribuisce solamente a creare generazioni spente nell’animo, non persone veramente forti, e questo riguarda un po’ tutti i sogni e le aspirazioni che un ragazzo vorrebbe realizzare, non solamente in questo settore, ma in qualsiasi altro ugualmente importante. Ognuno di noi merita almeno una possibilità di essere messo alla prova… se poi fallisce, riprova o lascia perdere. Ma mai restare con il rimpianto di non averci provato.

E poi non ci lamentiamo del fatto che “i giovani d’oggi” non hanno interessi!

Il vero problema è che nel cuore della gente manca la fede.

La fede è superstizione, penseranno alcuni! Ma è veramente triste, mi fa una tristezza infinita sentire questi discorsi.

Molti non hanno ancora capito che se il sogno di una persona è puro e disinteressato  – e se la persona ha le potenzialità e il talento per farcela – l’universo si muove automaticamente per far si che venga realizzato!

Scommetto che, a questo punto, starai formulando un pensiero negativo che, in questo periodo, stanno coltivando in molti: ”Ma c’è la crisi! La prima cosa che si mette in atto quando c’è una crisi economica, è proprio tagliare sullo svago e sulle cose superflue”.

Ti rispondo subito dicendo:

1. Non si vive di solo pane (se Dio ci ha creati con il cuore e l’intelletto, ci sarà pure un motivo)
2. Chi se ne frega della crisi!!!

Quando avevo 14 anni – e della crisi ancora non c’era traccia – dovevo mettermi in testa che sarebbe stato quasi impossibile trovare lavoro con la mia passione perché qui in Italia il fumetto vale poco ed è appannaggio di pochi fortunati.

Quando iniziai la scuola di Comics mi venne fatto capire (implicitamente) che quello che stavo facendo era solo per piacere e che per lavorare avrei dovuto “ripiegare” di più sulla grafica pubblicitaria perchè questo settore “è in auge” a differenza del fumetto, naturalmente.

Ora che invece c’è la crisi, mi sarà impossibile guadagnarmi da vivere con la mia passione proprio perché c’è la crisi. Posso ridere? Mi sembra una commedia grottesca!

Quindi, come puoi vedere, ogni scusa è buona a questo punto!

E allora perché non tentare? In fondo, chi parla così è perché in realtà fa congetture su congetture e non sa proprio nulla di quello di cui sta parlando. Per cui non dare ascolto a questi moniti… e và dritto per la tua strada!

Ora, chiarito il primo e fondamentale punto, qui di seguito elencherò tutto il resto di ciò che serve per diventare un fumettista, un cartoonist o un’illustratore di tutto rispetto. Preparati perchè ne vedrai delle belle!

Due. Leggi e studia di tutto

Questo è un altro punto molto importante se vuoi veramente crescere come persona e come professionista.

Si potrebbe pensare che, se si vuole diventare esclusivamente disegnatori e non si è interessati a scrivere soggetti e sceneggiature, si possa tranquillamente fare a meno di avere una buona base culturale ai fini di migliorare il proprio lavoro.

Trovo che questo modo di pensare sia sbagliato, in quanto così facendo anche i temi dei tuoi disegni possono perdere notevolmente in spessore, qualunque sia il genere a cui ti approcci.

Certo, non è obbligatorio essere un’enciclopedia ambulante, conoscere cinque lingue e avere tre lauree!

L’importante è che la base culturale di ciascuno di noi sia adattata alla nostra persona, alla nostra modalità di pensiero e quanto meno alle nostre passioni, se non anche al di fuori di esse.

Quindi un’altra regola d’oro è: essere persone curiose, amanti della vita e di tutto ciò che circonda.

E di conseguenza viene automatico leggere, viaggiare (se si ha questa possibilità), fare le esperienze giuste, informarsi sempre su ciò che se ci succede intorno e, non ultimo, aprire la mente su quanti più generi possibile di fumetto, cinema, libri e animazione. E’ meglio non fossilizzarsi su un genere soltanto come fanno molti appassionati di manga (ma anche – devo dire – di fumetto americano o italiano).

Tutto questo non fa che aumentare le nostre fonti di ispirazione, e la nostra arte e professionalità migliorano di conseguenza.

Tre. Disegna dal vero

Questo non mi stancherò mai di ripeterlo: il disegno dal vero è fondamentale per arrivare a disegnare in qualunque stile, sia nel fumetto che nel cartoon che nell’illustrazione, e in qualunque altra forma d’arte moderna.

Questo perché, se ci si limita a copiare uno stile già preconfezionato e frutto di una reinterpretazione della realtà, la nostra figura professionale ne risentirà fortemente, e la nostra arte non sarà più personale, ma la brutta copia di qualcun altro. Meglio non correre questo rischio, no?

Non dimenticare infatti che, come molti già sapranno, Picasso, uno degli esempi più celebri che si possono fare in questo senso, nel suo periodo blu e rosa sviluppò uno stile di disegno figurativo molto raffinato prima di passare al cubismo. E qui è sicuramente utile rimandarti alle mie lezioni sul disegno con l’emisfero destro:

• Come Disegnare i Manga in Modo Intuitivo – 1° parte
• Come Disegnare i Manga in Modo Intuitivo – 2° parte
• Come Disegnare i Manga in Modo Intuitivo – 3° parte

Io ho avuto la fortuna di essere stata iniziata a questo metodo di disegno intuitivo che in realtà è proprio dei più famosi artisti, tutti, nessuno escluso.

Da non molto tempo è stata infatti scoperta la funzione D del cervello che permette di disegnare la realtà così com’è, riuscendo così a rendere il disegno dal vero accessibile a tutti.

Niente male, vero? Se ne senti il bisogno, segui pure le mie lezioni… e buon lavoro!

E ora, passiamo al quarto punto.

Quattro. Promuoviti con il blog

Ed ecco il punto cruciale di questo articolo: come faccio a far conoscere agli altri il mio operato e, di conseguenza, a dare ai miei lavori la dignità che meritano?

La risposta è semplice: utilizzando Internet, un mezzo che ora ha raggiunto livelli che fino a qualche anno fa erano assolutamente impensabili; infatti, lo stesso strumento del blog che ora sto per presentarvi ha subito nel giro di poco tempo un’evoluzione veramente veloce ed efficace, soprattutto se si pensa a piattaforme come Word press.

Allo stato attuale, la maggior parte dei fumettisti e degli illustratori utilizza Blogger come piattaforma per promuoversi; ho notato comunque che in questi casi il blog viene utilizzato a mo di portfolio da autori che si sono già affermati nel settore, e che dunque nell’ambiente sono già conosciuti in qualche modo.

Ma non tutti purtroppo, per svariati motivi, riescono ad avere questo vantaggio, anche se hanno talento e voglia di fare. Di conseguenza, in questi casi per farsi conoscere è necessario utilizzare uno strumento più potente, come appunto Word press. Questa piattaforma di blogging, infatti, consente all’utente non soltanto di postare contenuti di valore ogni giorno, ma di realizzare un vero e proprio incrocio tra un blog e un vero e proprio sito dinamico che permette all’aspirante professionista di:

• creare delle vere e proprie membership a pagamento per i propri contenuti, o di permettere l’accesso solo a singoli post sempre pagandoli o tramite il login dell’utente
• promuovere i tuoi stessi lavori tramite uno shop integrato con il sito stesso
• riunire i tuoi fans in una solida community che interagisce tramite i commenti al tuo post o, in aggiunta, anche su un forum se sceglierai di installarlo

E per quanto riguarda la pubblicazione dei tuoi lavori? Nessun problema! Ci pensano siti come Lulu.com, che permettono all’autore di pubblicare con mezzi di qualità e a prezzi decisamente contenuti, grazie alla filosofia del printing on demand che fa sì che vengano stampate solo le copie ordinate, evitando inutili sprechi di denaro e copie in eccedenza.

Come vedi tramite il blog la tua libertà professionale è totale, e le possibilità sono davvero infinite.

Cosa aspetti ancora? Fai sapere al mondo intero che ci sei anche tu!

Cinque. Apprendi una tecnica di pittura

Per quanto riguarda la colorazione dei tuoi lavori, sia che tu voglia diventare un fumettista o un illustratore, il mio consiglio, è quello di apprendere almeno una tecnica di pittura manuale (anche semplice, se questo fa parte del tuo stile) prima di iniziare a usare un qualsiasi programma di colorazione digitale.

Certo, la base è comunque sempre il disegno, e nel caso in cui tu decida di proporti solamente come disegnatore, questo non è un passaggio necessariamente obbligato quanto i punti sopra elencati. Anche perché puoi sempre decidere di cercare collaborazioni con coloristi e/o autori di romanzi, fiabe o sceneggiatori di fumetti al fine di realizzare il tuo grande sogno.

Nel caso in cui comunque tu decida di usare il colore nei tuoi lavori o anche di proporti solamente come colorista, e devi partire da zero, se ne hai la possibilità e non ha mai fatto la scuola d’arte, segui un buon corso di illustrazione o pittura e, una volta padroneggiata almeno una tecnica di colorazione realistica, sarai a quel punto in grado di utilizzare anche Photoshop o programmi similari in maniera perlomeno dignitosa e migliorerai strada facendo.

Ricordalo sempre: se hai iniziato a dipingere i tuoi lavori direttamente con Photoshop si vedrà lontano un miglio… e il tuo lavoro potrebbe venir scambiato per la solita fanart scadente simile a quella che si trova in giro per la rete così di frequente.

Non ho nulla contro le fanart, per carità, ma se vuoi diventare un professionista decisamente è meglio evitare effetti di questo tipo.

Sei. Usa gli strumenti digitali

Il pc ormai è entrato ufficialmente a far parte delle nostre vite, semplificandole per molti versi. Ormai con un pc si può fare praticamente di tutto… a mio avviso.

Tra tutto ciò che si può fare con il computer, ovviamente, rientra anche la grafica, la colorazione digitale e l’animazione.

Se sei integralista, potresti anche scegliere di utilizzare il computer solamente per Internet e per promuoverti come ho indicato sopra e di escluderlo completamente dal tuo percorso artistico.

Io sono dell’opinione che rifiutare un mezzo così utile e pratico potrebbe rivelarsi davvero folle, dato che a livello pratico l’utilizzo di questi programmi accorcia notevolmente i tempi di elaborazione del nostro lavoro. Quindi il mio consiglio è quello di pensarci almeno due volte prima di fare una scelta del genere.

A questo punto ti darò un accenno ai principali programmi utilizzati per la colorazione digitale e delle modalità maggiormente utilizzate, che sono principalmente due: raster e vettoriale.

La prima comporta una perdita di dettaglio nel caso in cui si zoomi sull’immagine, che è composta da piccoli quadratini chiamati pixel, e la sua definizione dipende dalla risoluzione impostata al momento della creazione del nuovo documento. Si lavora in questo modo sulle illustrazioni e sui fumetti dal carattere più pittorico e che richiedono dunque una tecnica più intuitiva, per la creazione di fondali dipinti e sulle fotografie che vengono acquisite tramite scanner o macchinette fotografiche digitali.

Qui sotto fornisco alcuni link utili ai principali programmi sia gratuiti che a pagamento che possono fare al caso tuo; in questo modo a seconda delle tue possibilità puoi fare la scelta a te più congeniale al riguardo.

Adobe Photoshop: http://www.adobe.com/it/products/photoshop/photoshop/
Art Weaver: http://www.artweaver.de/download-en/
Gimp: http://gimpitalia.it/

La modalità vettoriale invece ha la particolarità di essere composta perlappunto dai vettori, che sono nient’altro che equazioni matematiche calcolate dal programma stesso nel momento in cui si tracciano le linee del disegno, che vengono chiamate in questo caso proprio tracciati che, una volta chiusi, possono essere colorati tramite riempimenti di vario tipo.

Quando scegli questo metodo, fai attenzione a non lavorare su immagini eccessivamente dettagliate e complesse, poichè rischi di sovraccaricare la memoria del tuo computer e rallentarne le prestazioni. In tal caso ripiega sulla grafica raster, o se ne senti la necessità mischiale entrambe (programmi come Photoshop lo consentono).

Questo mezzo è l’ideale per lavori dal taglio più grafico e a tinte piatte, per animazioni in flash e inchiostrazione digitale (provare con inkscape per credere).

Ecco qui sotto altri link utili che rimandano ai principali programmi con cui è possibile creare grafica vettoriale, anche in questo caso sia gratuiti che a pagamento. Sono tutti molto validi, e ti consiglio dunque di provarne il più possibile.

InkScape: http://sourceforge.net/projects/inkscape/files/inkscape/0.47/Inkscape-0.47-3.exe/download
Adobe Illustrator: http://www.adobe.com/it/products/illustrator/?sdid=DVKAS
Corel Draw: http://www.corel.com/servlet/Satellite/it/it/Product/1208530085783#tabview=tab6

Sette. Confrontati con gli altri

Questo punto si collega almeno in parte con il punto due, visto che riguarda sempre l’apertura mentale. In più io qui raccomando di non smettere mai di imparare anche dal lavoro degli altri, non solo dalla propria esperienza che il più delle volte non basta.

Certo questo non significa annullarsi e omologarsi a una particolare scuola o stile per paura che gli altri non comprendano il nostro lavoro quando è autentico. Significa semplicemente tenere conto delle opere altrui, imparare a riconoscere e apprezzare gli artisti e professionisti di valore e confrontarsi con loro, anche conoscendoli di persona, ovviamente, che è la cosa senza dubbio migliore, quando si ha questa opportunità.

Tempo fa avevo letto la biografia di un’artista (di cui non faccio il nome) che dichiarava di non leggere fumetti di alcun tipo, e la cosa mi aveva colpito davvero negativamente. Così facendo si rischia davvero di trincerarsi dietro il proprio egocentrismo e di considerare valido solo il proprio lavoro.

Confrontati sempre con gli altri, impara a riconoscere gli artisti di valore e ad avere il coraggio di esprimere sia apprezzamenti che critiche costruttive, e di accettarle… Solo così non smetterai mai di arricchirti!

E con questo credo proprio di aver finito… spero che questo post sia utile al tuo percorso e che ti porti cambiamenti positivi. Te lo auguro di tutto cuore.

Mi volatilizzo, come sempre, con un sonoro SWOOOOOSH e ti aspetto per il prossimo articolo.

LadyValkan, disegnatrice e fumettista.

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Vuole essere un invito a riflettere attentamente sulla condizione dell’artista nel contesto della società odierna e sulle modalità con le quali egli, con le sue conoscenze e competenze, potrebbe finalmente ritornare a essere di qualche utilità alle masse.

Purtroppo, infatti, la posizione dell’artista come personaggio egocentrico bohemienne buono a nulla è ancora profondamente radicata nell’immaginario collettivo.

E non senza un motivo.

La gente comune associa alla figura dell’artista quella di uno scapestrato, che vive alla giornata tra mille problemi, soprattutto di natura economica, che nei casi più estremi assume un atteggiamento autolesionista. E che, tra un lavoretto saltuario e l’altro, trascorre il suo tempo dipingendo o creando installazioni che capirà solamente lui o  una ristretta cerchia di amici o di pochi eletti. Loro, sì, che ne capiscono veramente di arte; tutti gli altri, ai loro occhi, sono solamente degli ignoranti insensibili e rozzi, che pensano solamente a soddisfare i bisogni di prima necessità senza pensare al nutrimento dell’anima.

Non trovate anche voi che in tutto questo ci sia qualcosa che non torna?

Come ci siamo arrivati a questa situazione così incresciosa e umiliante per l’artista contemporaneo, deriso e schernito ancora oggi dalla società e che, a sua volta, fa la stessa cosa nei confronti di essa?

Il risultato non può che essere uno scontro senza risoluzione alcuna per nessuna delle due parti in causa.

Così l’artista in questione, a qualunque forma d’arte egli/ella si dedichi, ha grosso modo tre possibilità:

1) getta la spugna e si adegua a trovare un lavoro come quello degli altri, rimanendo frustrato e insoddisfatto per tutta la vita;

2) si dedica a una qualche forma d’artigianato, che però sente non essere la strada che voleva perseguire (senza voler nulla togliere alla nobiltà e autorevolezza degli artigiani);

3) se invece decide di percorrere questo arduo sentiero, con ogni probabilità dovrà sopportare per tutta la durata della sua esistenza i commenti sarcastici della gente, ritagliandosi il suo ruolo di esclusivo detentore di vere emozioni e sentimenti che lui, e solo lui, è in grado di provare.

E qui si torna alla mia descrizione iniziale delle peculiari caratteristiche della figura dell’artista.

Per cercare di trovare una soluzione a questo inenarrabile scempio, ho deciso di ripercorrere brevemente insieme a voi quella parte di storia dell’arte che va dal Rinascimento ai giorni nostri, rifacendomi all’introduzione del libro Anatomia dinamica per l’artista scritto dal grande insegnante, teorico dell’arte e fumettista Burne Hogarth. Devo dire che la lettura del suo libro mi ha letteralmente illuminata sulla questione.

Egli, infatti, ha saputo inquadrare con estrema precisione il reale problema che impedisce agli artisti di oggi (eccetto pochissime eccezioni) di recuperare un ruolo centrale all’interno del tessuto sociale.

IL RINASCIMENTO:L’ARTE AL SERVIZIO DELLA SCIENZA

Quello che mi accingo ad esporvi è senza ombra di dubbio, insieme a quello della civiltà greca, uno dei momenti migliori e più fecondi dell’espressione artistica umana.

Venne anticipato nel XIV secolo principalmente da tre grandi artisti: Giotto, Cimabue e Masaccio. Essi animarono di un nuovo soffio vitale i soggetti a carattere religioso, facendo sciogliere come neve al sole la rigida e ascetica staticità delle preziose icone medievali e conferendo una prospettiva, seppur rozza e primordiale, agli sfondi, dando volume e consistenza alle carni e una nuova espressività agli sguardi dei soggetti rappresentati.

L’arte del rinascimento vide lo studio e la riscoperta dei canoni classici, in pressocchè tutte le forme d’arte. Tutto ciò riflettè la nuova dimensione armonica e sinergica che l’uomo aveva ritrovato nel rapporto con la natura e con Dio.

Venne così sancita definitivamente la fine del Medioevo e del feudo, e di conseguenza del conservatorismo scolastico e della rigidità accademica. La prospettiva in arte venne perfezionata ulteriormente a livelli mai visti prima con artisti come ad esempio Piero della Francesca; Francis Bacon demolì la concezione platonico-aristotelica dell’universo e Niccolò Copernico scoprì il sistema solare eliocentrico e non più geostatico.

Nel campo dell’anatomia fu importantissimo il lavoro di Vesalio, che con De humani corporis fabrica (1543), perfetta sintesi di rigore scientifico e bellezza artistica, rese pubblico il suo lavoro di anni di studio sull’anatomia del corpo umano, compiuto dissezionando diversi cadaveri, sperimentando dunque sul campo ed emancipandosi dai moralismi e dai dogmi assoluti che vigevano nell’epoca precedente. Il tutto con l’aiuto di Tiziano, che si occupò delle illustrazioni dell’opera.

Vedete come qui arte e scienza hanno collaborato in assoluta armonia? Vesalio ha avuto bisogno dell’aiuto di Tiziano, pur conoscendo perfettamente l’anatomia. Come mai, vi starete chiedendo voi?

Questo perchè mentre il punto di vista di un chirurgo disseziona, separa e divide il corpo umano fino a giungere alla struttura della cellula, un artista sa cogliere al meglio la figura umana nel suo insieme, aggiungendo le singole parti in un secondo tempo.

BAROCCO E ROCOCO’

In quest’epoca lo scambio tra arte e scienza si espande ulteriormente fino a consolidarsi, aprendo così la grande epoca del ritratto e del paesaggio, realizzando così in termini visuali le scoperte di Galileo, Cartesio, Keplero e Newton.

L’arte barocca perfeziona ulteriormente il realismo e la comprensione del carattere e dei sentimenti umani,senza per questo rinnegare le scoperte scientifiche, anzi, continuò a fare da portavoce a queste ultime: nella corte di Velazquez e Rubens, nella sofferenza umana di Rembrandt, nei ragazzini malati che Caravaggio faceva posare per le sue opere.

Con il rococò, però, iniziò una fase di stasi in cui la scienza smise piano piano di lavorare in modo disinteressato per il miglioramento della vita dell’uomo, iniziando, infatti, a essere concepita come una mera attività imprenditoriale e commerciale.

Anticipatore di questa tendenza fu il filosofo e matematico Leibniz, consigliere di Federico I di Prussia, che applicò la sua peculiare filosofia delle monadi, atta a spiegare l’origine della materia, anche all’economia di ciascun Stato.

Secondo lui, infatti, la Scienza doveva essere messa necessariamente al servizio di esso come strumento politico per arricchirne l’economia.

Eccovi una descrizione riassuntiva del concetto di monadi:

Le monadi sono, allora, i reali atomi della natura e, in una parola, gli elementi delle cose.” Come sostanze elementari presentano le seguenti caratteristiche: non hanno forma alcuna, poiché essa implicherebbe divisibilità; non possono, in quanto sostanze, essere ne prodotte né distrutte.

Sono individuali: nessuna monade è identica a un’altra; quale essere fondato su se stesso, ogni monade è priva di finestre: nessuna sostanza o determinazione può agire fuoriuscendo da essa o penetrandola. Tuttavia, esse mutano internamente in modo incessante: un impulso interiore verso la perfezione, la cosiddetta appetizione, provoca il continuo passaggio da uno stato all’altro, e tali stati prendono il nome di percezioni. Queste “informazioni” e i loro “programmi” stabiliscono il rapporto della singola monade con tutte le altre monadi dell’universo, come un punto in cui si incontrino un numero infinito di angoli. Visto che le monadi sono prive di “finestre” e, nonostante ciò, stanno in relazione le une con le altre, bisogna presupporre “che ogni monade è uno specchio vivente, capace di attività interiore, che rappresenta l’universo dal suo punto di vista.

Le caratteristiche di queste monadi non vi ricordano proprio quelle della malattia autodistruttiva dell’artista di oggi?

L’ETA’ INDUSTRIALE. IL ROMANTICISMO, NEOCLASSICISMO E IMPRESSIONISMO

La nascita delle grandi monarchie prima e l’avvento della rivoluzione industriale poi sancirono definitivamente la frattura fra arte e scienza, che ormai aveva perso il suo scopo originario.

La visione separatista di Leibniz era così divenuta realtà.

Fu in quest’epoca che nacque il clichè dell’artista ribelle che rema contro le istituzioni, che anzichè supportare le nuove scoperte scientifiche si limitano a perfezionare quelle vecchie e non promuovono i giovani talenti a meno che non seguano le rigide restrizioni delle accademie con i suoi stereotipi puramente neoclassici, anch’esse ormai controllate dallo Stato stesso.

L’arte diventò così strumento di denuncia della condizione umana e di satira politica, assumendo tratti sgraziati e caricaturali; anche l’ultimo baluardo dell’umanesimo, l’Impressionismo di Monet, Renoir, Degas e altri venne immediatamente relegato in un cantuccio, al Salon des Refusèes, nonostante gli sforzi da parte del movimento di venire accettati dall’ambiente accademico.

Questo portò a una carenza di committenza e alla disaffezione del pubblico, che iniziava a non comprendere più l’operato dell’artista maledetto, sempre più introiettato in se stesso e nella sua personale alienazione e che escludeva a priori la prospettiva e l’uomo anatomico nelle sue opere, giudicandoli banali e accademici.

La scienza a questo punto non aveva più bisogno dell’Arte.

La naturale conseguenza di tutto ciò fu che l’arte, da qui in avanti, decise di fare a meno della scienza, peccando di altrettanta presunzione, consolidando completamente questa frattura e proiettandosi nell’età moderna, frammentandosi in innumerevoli correnti artistiche e scoprendo (fatto questo in buona parte positivo) il fascino dell’arte etnica, soprattutto giapponese e africana.

L’Arte, alla luce del XX secolo, assume così una connotazione sempre più egocentrica e psicanalitica,esclusive di intellettuali che sono gli unici in grado di dissertare sull’argomento o, al contrario, diventando esclusivamente utilitaristica e servendo il progresso solo nella forma e non nella sostanza. Cercando rifugio dalle responsabilità del nuovo mondo tecnologico e rifugiandosi in elite esclusive di intellettuali che sono gli unici in grado di dissertare sull’argomento o, al contrario, diventando esclusivamente utilitaristica e servendo il progresso solo nella forma e non nella sostanza.

Attenzione: non sto dicendo che il design e la grafica pubblicitaria siano un abominio, lungi da me fare discorsi così moralisti che fra l’altro non condivido (l’arte non deve svendersi ecc.).

Guadagnarsi da vivere con le proprie capacità è un sogno di molti, anche il mio. Legittima l’esistenza dell’artista in questo mondo e lo fa sentire utile. Ed è anche questo lo scopo di questo post.

Ma ci deve essere per forza qualcos’altro che l’arte può fare per tornare a servire l’uomo!

E’ necessaria una riscoperta del suo più intimo significato e della sua funzione che vada oltre il semplice aspetto estetico di una caffettiera o di una trousse per il trucco, o di un opera d’avanguardia che funge da complemento d’arredo di un loft esclusivo, per quanto esoterico possa essere il significato che ci sta dietro.

E ora veniamo al punto cruciale.

Innanzitutto preciso da subito che il mio post non vuole essere assolutamente a priori contro quelle forme d’arte individuali e strettamente soggettive; anche esse, infatti, possono essere d’aiuto alla persona che le pratica e vendute a chi le apprezza perchè vicine alla sua sensibilità.

Ma in questo senso si è arrivati a un punto di saturazione. Troppe correnti e sottocorrenti artistiche, troppe le immagini che bersagliano i nostri poveri occhi tutti i santi giorni soprattutto mediante la pubblicità.

C’è una confusione incredibile per quanto riguarda la qualità nell’arte, proprio per colpa dell’eccessiva quantità di materiale fruibile.

Se tutto ciò non viene affrontato con una preparazione adeguata (cosa che spesso avviene anche nelle scuole), anzichè aprire la mente ed espandere il nostro stato di coscienza, la ottunde e ottiene come unico risultato proprio la perdita di quella visione d’insieme che è così fondamentale per l’artista. Ed è quello che è successo anche a me.

Così, ecco il fiorire di pseudo-artisti e dilettanti allo sbaraglio, che giocano a fare i personaggi maledetti a tutti i costi e si atteggiano a divi dello star system, solo perchè strimpellano quattro note cantate male oppure i loro disegnini sghembi fanno tanto indie-alternativo.

L’Arte odierna deve tornare utile, indispensabile, riappropriarsi di radici solide, e tornare a parlare alla gente comune, al di fuori della collanina realizzata dalla dilettante di turno che si dà un sacco di arie o dell’oggetto di design.

P.S: Siete ancora convinti che vi stia imponendo delle restrizioni accademiche?

Allora vi dico questo: Socrate affermò con grande acutezza che prima di comprendere la natura della legge bisogna conoscere la legge della natura. Ed è questo che Hogarth intende con l’acquisire delle nozioni e delle regole di base che però non impediscano di tracciare il proprio percorso artistico e che, anzi, ampliano gli orizzonti creativi della persona e gli fanno ottenere risultati che mai avrebbe immaginato di conseguire.

Dunque, non ci sono più scuse!

P.P.S: Il discorso di Hogarth non è certamente nuovo agli addetti ai lavori; so dunque per certo di non aver scoperto l’acqua calda, visto che il tomo in questione è stato pubblicato nel 1958.

Ma ora vi domando: quanti artisti sono veramente riusciti a mettere in pratica il suo discorso? In quanti hanno capito che la maschera pirandelliana del proprio ego andava gettata via una volta per tutte, insieme ai rimbrotti, alle lamentele, ai voli pindarici e sterili della mente, in un atto di infinita umiltà per potersi finalmente riaccostare alla gente comune ed essere veramente di aiuto a loro stessi e agli altri?

Scrivendo questo, sto ovviamente facendo un mea culpa, dato che anch’io ho commesso questo errore in prima persona.

E lancio questa sfida sia a me stessa, che a chi mi sta leggendo, artista o non.

Vuoi davvero fare qualcosa per te stesso e per gli altri, qualcosa di concreto? Allora smettila di lamentarti ed esci dal tuo sterile guscio, studia, costruisciti una base solida, ma non negarti la possibilità di sperimentare e di trovarti un tuo stile personale. Lascia che l’Arte vada di nuovo incontro alla Scienza, facendo esattamente ciò che fecero Tiziano e Vesalio, ma con uno sguardo fresco e moderno sulla realtà.

Non lasciarti uccidere da chi è già morto.

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Eh sì! Come ci diciamo sempre io e il mio amico Matteo, non sono capace di stare fermo su un solo progetto. Devo sempre avere almeno una dozzina di cose per le mani, altrimenti rischio di deprimermi.

Il progetto che ho iniziato circa un mesetto fa riguarda un fumetto (progetto impegnativo) che racconta la storia di Angelo, un imprenditore tradizionale che sta attraversando un brutto momento. Gli affari vanno male e non sa più cosa fare per risollevarsi.

In preda a una forte crisi, decide di chiedermi aiuto per tentare la strada del business online.

E di qui prende vita un soggetto molto simpatico e interessante che è tutto da leggere e vedere.

La trama è ispirata a una storia vera. La sceneggiatura e i disegni sono opera mia. Insomma, faccio tutto io come al solito, alla faccia di chi ha sempre da ridire sul fatto che ho mille interessi e mille passioni.

Non so dire quando sarà pubblicato questo fumetto. Il lavoro è impegnativo e richiede tempo. Il titolo è ancora provvisorio e per questo non lo dico qui. Ma il tutto è assolutamente divertente.

Raccontare me stesso e le cose che faccio attraverso delle tavole disegnate è un’esperienza magnifica. Lo è per me che posso affidare a un’immagine pensieri e fatti difficilmente narrabili; lo è per i lettori che entrano per la prima volta direttamente nel mio ufficio, nella mia vita, nelle mie abitudini.

Per gli iscritti al Gruppo Premium il fumetto è gratis. Infatti, possono già scaricare le prime tavole della storia nell’area riservata di questo articolo.

Fatemi sapere cosa ne pensate. Lasciate pure un commento senza peli sulla lingua.

PS: fai il login per scaricare le prime tavole (PDF) del fumetto.

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L’anno scorso, un tale di nome Hikaru Kootei acquista “Fai Soldi Online Disegnando”. È un mangaka, di quelli bravi, che non intende più sottoporsi al ricatto editoriale, ma vuole costruirsi un percorso tutto suo.

Le prime volte mi chiama per fare conoscenza e per avere qualche dritta sugli strumenti da utilizzare per il suo progetto comics online. Un progetto che è partito in sordina, quasi per prova, e che adesso sta facendo il giro del mondo a una velocità impressionante.

Si tratta di Guardian Angel, una saga avventurosa ambientata a Parigi, il cui protagonista, il giovane Alain della Rocca, oltre che essere proprietario della prestigiosa catena alberghiera Vega, è anche un famoso sportivo, Campione del mondo di Braccio di Ferro.

Alain sembra un ragazzo normale. In realtà nasconde un terribile segreto. La sua famiglia è stata distrutta, e per questo ha dovuto cambiare identità per sopravvivere.

Si ritrova, quindi, coinvolto in un intrigo internazionale che affonda le sue radici in un ancestrale scontro di potere, la cui resa dei conti è giunta ai nostri giorni.

Una storia avvincente e mozzafiato, dove non manca, tuttavia, la presenza di una bellissima donna, Alice Minault, che affiancherà il protagonista per tutto il tempo. E chissà che tra i due non nasca qualcosa di veramente importante.

Insomma, un fumetto da non perdere. Anche perché – vi anticipo – che Alain farà un salto in Italia. Si fermerà all’Abbazia di Montecassino (vicino da me) e conoscerà per bocca di una specie di Gran Maestro quello che sarà il suo destino di Guardian Angel.

La battaglia segreta contro la più terrificante Organizzazione Criminale del mondo sta per iniziare! È ora di sapere come andrà a finire.

PS: Guardian Angel è anche un infoprodotto che puoi rivendere online e guadagnare soldi. Ma se vuoi saperne di più, visita il sito.

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Come potete notare, ho momentaneamente interrotto le mie consuete lezioni per parlarvi di un argomento che inizialmente non vi giungerà nuovo, dato che l’ho accennato più volte nei precedenti post, e cioè di come l’educazione che ci impartiscono da piccoli influisca, ahimè, il più delle volte negativamente sulla nostra creatività.

Orbene… vi anticipo sin da subito che il tema in questione metterà in luce differenze a mio avviso molto marcate tra… “maschietti” e “femminucce”, lanciando così una piccola provocazione.

A costo di dare l’impressione che io voglia mettere le mani avanti, vi posso garantire che il discorso non vuole essere a favore nè di uno, nè dell’altro genere.

Piuttosto, ciò a cui miro è il raggiungimento dell’equilibrio tra le due parti, evidenziando anche i condizionamenti che colpiscono in egual modo entrambi i sessi.

Purtroppo non è colpa mia se tali differenziazioni e limitazioni esistono ormai da tempo immemorabile.

Questo è un dato di fatto. Anche se in tempi recenti si sono attenuate, purtroppo le differenze ci sono anche oggi.

Vediamo nello specifico di cosa stiamo parlando.

LA PERDITA DELLA VISIONE D’INSIEME

Nel percorso artistico di un bambino sono principalmente tre le fasi che si attraversano:

La fase degli scarabocchi: parte dall’anno e mezzo fino a circa tre anni. In questa fase, il bambino traccia scarabocchi prevalentemente circolari, poichè è una forma che viene più naturale disegnare rispetto ad altre con spigoli, per via del movimento che il braccio compie in scioltezza tracciando linee curve.

La fase dei simboli: va dai tre anni e mezzo circa fino ai sei-sette anni. Qui si iniziano a dare i nomi alle cose, e si scopre che i simboli, adeguatamente uniti tra di loro, danno luogo a soggetti ben identificabili, come ad esempio il papà e la mamma, la casa o un gatto.

La caratteristica che salta di più all’occhio è come in questa fase il bambino abbia un senso della composizione e della visione d’insieme pressocchè perfetti; gli spazi pieni e vuoti sono sempre perfettamente bilanciati tra di loro in ogni composizioni.

La fase del realismo: questa fase inizia dagli otto-nove anni e solo in rari casi sfocia in un’effettiva capacità di disegnare ciò che realmente si vede. Solo in coloro che per puro caso scoprono la funzione D in maniera più o meno spiccata.

Qui i ragazzi si sforzano di far sembrare più realistici possibile i propri disegni, ma (vale per entrambi i sessi) perdono il gusto per le composizioni equilibrate e i paesaggi, concentrandosi su soggetti singoli (ritratti, oggetti di svariato tipo ecc) senza calarli in un particolare contesto,  sulla cura dei dettagli e delle minuzie, dato che i ragazzi in questa fase tengono veramente moltissimo al realismo dei loro lavori.

L’INFLUENZA DEL SISTEMA DI SIMBOLI

Gli insegnanti deplorano questa tendenza e criticano gli allievi di mancanza d’originalità e di avere pessimo gusto.

In molti casi, in questa fase, vengono rovinati molti potenziali artisti, più di quanto si possa immaginare. Purtroppo, questi insegnanti non capiscono che prima di trovare una propria originalità, lo studente DEVE imparare a disegnare la realtà. Desiderio più che legittimo!

Non si nasce “Picasso”, già belli e pronti. Picasso si diventa. E anche Picasso imparò a disegnare con la funzione D e partì da soggetti realistici.

Ora arriviamo alla parte, diciamo così, più scottante del nostro discorso. Perchè, a mio avviso, è proprio in questa fase che le differenze tra ragazze e ragazzi iniziano a farsi sentire maggiormente.

Il preadolescente inizia lo sviluppo del fisico ed esce dalla fase infantile. La vita lo sottopone a nuove sfide e la società gli richiede, più o meno implicitamente, di entrare in un ruolo ben definito.

Se l’individuo è “diverso” in qualcosa, anche solo di una virgola, guai per lui/lei! Ciò avviene in tutti gli aspetti della sua vita, anche nel suo potenziale creativo, che il più delle volte viene inibito per sempre. Solo in rari casi ci si salva, poichè si creano per puro caso le condizioni ideali con le quali l’individuo riesce a sviluppare indisturbato le sue doti.

La differenza tra i ragazzi e le ragazze sta nel fatto che sulle seconde si riversano molti più “codici impliciti” da rispettare. Cambiano a seconda delle epoche storiche e solo nella forma, ma non nella sostanza; anche il sesso maschile ne è vittima, ma in misura decisamente inferiore, e la storia insegna.

Ciò che più mi interessa, ora, è dunque focalizzarmi sugli effetti che questi condizionamenti hanno sulle potenzialità creative di ciascun individuo, a prescindere dal sesso di quest’ultimo.

Basta dare un’occhiata ai temi prediletti dagli uni e dagli altri.

I ragazzi imparano più facilmente a disegnare anatomie e dettagli tecnici, poichè i loro soggetti preferiti sono eroi muscolosi e macchine e moto di vario genere, che spesso copiano da riviste oppure dai comics americani, molto curati per quanto riguarda i personaggi e le ambientazioni.

Le ragazze, invece, inflazionano molto di più i loro temi: pelouche, fiori, personaggi da fumetti esclusivamente per ragazze (disegnati in modo stilizzato e dalle tematiche parecchio edulcorate) e hanno molta più paura dei ragazzi a scendere in dettagli anatomici, come ad esempio le mani, caso molto frequente.

P.S: Queste premesse possono impedire ai futuri artisti, uomini o donne che siano, di dare il meglio di se stessi. Perchè l’ Arte, quella con la A maiuscola, ha il compito di porgere in dono all’umanità un qualcosa che non ha sesso e che fa parte del Tutto e che chiunque, maschio o femmina che sia, può esprimere al meglio se riesce a svincolarsi dal sistema di simboli imposto sin dall’infanzia da un modello educativo ormai sorpassato.

P.P.S: Questo dovrebbe essere il compito meraviglioso dell’Arte in tutte le sue manifestazioni, che si tratti di un fumetto, di un quadro, di un’opera architettonica o di una canzone d’amore.

Per il momento è tutto, dalla vostra inviata speciale Ladyvalkan… che si smaterializza con un sonoro SWOOOOSH e vi aspetta per la seconda parte del report. A presto!

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Ciao e bentornati alle lezioni su come disegnare i manga in modo intuitivo!

Questa lezione tratterà un punto fondamentale per chi vuole seriamente imparare a disegnare, nella fattispecie la figura umana con le esatte proporzioni e anatomie con l’ ausilio del manichino, strumento parecchio utile, specialmente agli inizi del nostro percorso di artisti.

Pronti come sempre?

Si parte!

SWOOOSH!!!

PRIMA DI INIZIARE

Innanzitutto sarà bene procurarci l’apposito manichino di legno, che potete trovare facilmente nei negozi specializzati in materiale artistico oppure negli empori di articoli da regalo, o ancora nelle cartolibrerie più fornite.

Ve ne sono un pò di tutti i prezzi a seconda della dimensione, scegliete quello più adatto alle vostre esigenze. Non è obbligatorio spendere un capitale, l’utilità del manichino è sempre la medesima, quella di farvi da cicerone nello studio delle pose del corpo umano.

IL MANICHINO: STUDIO DELLE POSE DEL CORPO UMANO

Ora, per iniziare ad allenarvi, mettetelo di fronte a voi, in posizione frontale e in piedi con le braccia lungo i fianchi, ad una distanza all’ incirca di almeno 40-50 cm per cogliere al meglio la figura nel suo insieme, altrimenti rischiate di sbagliarne le proporzioni.

Poi, tracciate sul foglio una linea retta aiutandovi con un righello o una squadra, e suddividetela in otto parti uguali tracciando delle linee orizzontali perfettamente perpendicolari all’asse.

Questa che avete appena tracciato sul foglio è la proporzione aurea del corpo umano; è ovviamente di riferimento per imparare da subito le corrette proporzioni tra le varie parti del manichino e andrà riproporzionata a seconda del soggetto quando disegnerete dal vero.

Adesso potete iniziare a disegnarlo. Noterete che il manichino vi abituerà a considerare le varie parti del corpo come solidi geometrici stilizzati: il viso è un ovale, il busto un tronco di cono, i polpacci e le braccia altrettanto, le giunture degli arti delle sfere ecc.

Rifacendoci alle nostre lezioni precedenti, cercate di implementare il disegnare con l’ emisfero destro del cervello più che potete anche in questo esercizio, concentrandovi, ad esempio, sullo spazio vuoto presente tra le gambe, oppure sulla distanza tra le spalle e la fine del busto e così via.

Vi può aiutare un piccolo accorgimento: prima di iniziare, disegnate solo il viso, poi l’asse delle spalle, quella del bacino e infine la linea su cui poggiano i piedi, misurando la distanza tra l uno e l altro elemento ponendo di fronte a voi la matita col braccio ben teso e prendendo la misura facendo scorrere il pollice sulla stessa.

Vi potete aiutare anche, se vi trovate bene con questo metodo, disegnando inizialmente solo gli assi interni alle varie parti, come se disegnaste un vero e proprio omino-stecchino, sì, proprio come quelli che disegnavate da piccoli, e solo successivamente tracciare la parte intorno all’asse stessa.

Quando avrete finito, passate ad altre posizioni muovendo il manichino dapprima in posture semplici, poi via via più complesse, fino ai limiti del contorsionismo se questo vi diverte!

Sbizzarritevi il più possibile, poichè questa è una fase molto delicata nell’apprendimento delle corrette proporzioni del soggetto, e più vi abituate a muovere le vostre figure, più eviterete di ottenere nei vostri fumetti e illustrazioni il tanto famigerato effetto “paletto” che ammorba le più svariate fanart e produzioni amatoriali in giro per la Rete, oltre che, in alcuni casi, anche svariati manga dal notevole successo commerciale che non sono certamente da prendere come esempio.

P.S.: Una volta che sarete in grado di padroneggiare al meglio le posture e le proporzioni del suddetto manichino, provate a prendere delle foto dalle riviste che preferite e, con un pennarello dal colore che preferite, disegnate il manichino appena all’esterno delle parti anatomiche. Questo esercizio vi preparerà alla prossima lezione che inizierà a trattare l’anatomia umana più in dettaglio.

P.P.S: Ora, se disegnavate già da qualche tempo prima di iniziare a seguire le mie lezioni, prendete un vostro personaggio che avevate già disegnato in precedenza e ridisegnatelo dapprima tracciando il manichino, mettendolo nella posa precedentemente assunta dal vostro personaggio e successivamente la figura per intero. Notate delle differenze dal vostro lavoro precedente? E se sì, dove?

E con questo è davvero tutto per questa lezione. Ladyvalkan si volatilizza con uno SWUUUUSH… e vi lancia un temibile colpo Super Slash, se non vi esercitate!
Dunque state attenti… ai colpi d’aria! Data la stagione, non si sa mai… :D

Alla prossima puntata!

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Il tuo più grande sogno è quello di imparare a disegnare i manga come Kosuke Fujishima? Molto bene! Allora sei capitato nel posto giusto.

Eccoci dunque alla terza lezione sul disegno dei manga e dei fumetti in genere.
Mi auguro che, nel frattempo, tu abbia passato un felice Natale in compagnia dei tuoi cari.

Ma ora torniamo a noi e alle due precedenti lezioni riguardanti l’introduzione al disegnare con la parte destra del cervello e alla seconda lezione che facilitava il processo facendoti disegnare un’ immagine capovolta.

In queste due lezioni (prima e seconda) ho cercato di aprire la tua mente riguardo a una concezione del disegno completamente diversa da quella accademica che viene solitamente insegnata nelle scuole. Ciò che ne consegue è molto limitante, sia per la nostra creatività, sia per la nostra reale capacità di disegnare i  soggetti con le giuste proporzioni e di collocarli correttamente nello spazio, relazionandoli tra di loro e con l’ambiente circostante.

Il metodo insegna dunque a disegnare con la parte destra del cervello, facendoci accantonare tutto quel sistema precostituito di simboli che ci abituano ad assimilare sin dall’ infanzia.

Bene. Ora che abbiamo riassunto il contenuto delle 3 lezioni precedenti…

Si parte!
SWOOOOSH!

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