Vuole essere un invito a riflettere attentamente sulla condizione dell’artista nel contesto della società odierna e sulle modalità con le quali egli, con le sue conoscenze e competenze, potrebbe finalmente ritornare a essere di qualche utilità alle masse.

Purtroppo, infatti, la posizione dell’artista come personaggio egocentrico bohemienne buono a nulla è ancora profondamente radicata nell’immaginario collettivo.

E non senza un motivo.

La gente comune associa alla figura dell’artista quella di uno scapestrato, che vive alla giornata tra mille problemi, soprattutto di natura economica, che nei casi più estremi assume un atteggiamento autolesionista. E che, tra un lavoretto saltuario e l’altro, trascorre il suo tempo dipingendo o creando installazioni che capirà solamente lui o  una ristretta cerchia di amici o di pochi eletti. Loro, sì, che ne capiscono veramente di arte; tutti gli altri, ai loro occhi, sono solamente degli ignoranti insensibili e rozzi, che pensano solamente a soddisfare i bisogni di prima necessità senza pensare al nutrimento dell’anima.

Non trovate anche voi che in tutto questo ci sia qualcosa che non torna?

Come ci siamo arrivati a questa situazione così incresciosa e umiliante per l’artista contemporaneo, deriso e schernito ancora oggi dalla società e che, a sua volta, fa la stessa cosa nei confronti di essa?

Il risultato non può che essere uno scontro senza risoluzione alcuna per nessuna delle due parti in causa.

Così l’artista in questione, a qualunque forma d’arte egli/ella si dedichi, ha grosso modo tre possibilità:

1) getta la spugna e si adegua a trovare un lavoro come quello degli altri, rimanendo frustrato e insoddisfatto per tutta la vita;

2) si dedica a una qualche forma d’artigianato, che però sente non essere la strada che voleva perseguire (senza voler nulla togliere alla nobiltà e autorevolezza degli artigiani);

3) se invece decide di percorrere questo arduo sentiero, con ogni probabilità dovrà sopportare per tutta la durata della sua esistenza i commenti sarcastici della gente, ritagliandosi il suo ruolo di esclusivo detentore di vere emozioni e sentimenti che lui, e solo lui, è in grado di provare.

E qui si torna alla mia descrizione iniziale delle peculiari caratteristiche della figura dell’artista.

Per cercare di trovare una soluzione a questo inenarrabile scempio, ho deciso di ripercorrere brevemente insieme a voi quella parte di storia dell’arte che va dal Rinascimento ai giorni nostri, rifacendomi all’introduzione del libro Anatomia dinamica per l’artista scritto dal grande insegnante, teorico dell’arte e fumettista Burne Hogarth. Devo dire che la lettura del suo libro mi ha letteralmente illuminata sulla questione.

Egli, infatti, ha saputo inquadrare con estrema precisione il reale problema che impedisce agli artisti di oggi (eccetto pochissime eccezioni) di recuperare un ruolo centrale all’interno del tessuto sociale.

IL RINASCIMENTO:L’ARTE AL SERVIZIO DELLA SCIENZA

Quello che mi accingo ad esporvi è senza ombra di dubbio, insieme a quello della civiltà greca, uno dei momenti migliori e più fecondi dell’espressione artistica umana.

Venne anticipato nel XIV secolo principalmente da tre grandi artisti: Giotto, Cimabue e Masaccio. Essi animarono di un nuovo soffio vitale i soggetti a carattere religioso, facendo sciogliere come neve al sole la rigida e ascetica staticità delle preziose icone medievali e conferendo una prospettiva, seppur rozza e primordiale, agli sfondi, dando volume e consistenza alle carni e una nuova espressività agli sguardi dei soggetti rappresentati.

L’arte del rinascimento vide lo studio e la riscoperta dei canoni classici, in pressocchè tutte le forme d’arte. Tutto ciò riflettè la nuova dimensione armonica e sinergica che l’uomo aveva ritrovato nel rapporto con la natura e con Dio.

Venne così sancita definitivamente la fine del Medioevo e del feudo, e di conseguenza del conservatorismo scolastico e della rigidità accademica. La prospettiva in arte venne perfezionata ulteriormente a livelli mai visti prima con artisti come ad esempio Piero della Francesca; Francis Bacon demolì la concezione platonico-aristotelica dell’universo e Niccolò Copernico scoprì il sistema solare eliocentrico e non più geostatico.

Nel campo dell’anatomia fu importantissimo il lavoro di Vesalio, che con De humani corporis fabrica (1543), perfetta sintesi di rigore scientifico e bellezza artistica, rese pubblico il suo lavoro di anni di studio sull’anatomia del corpo umano, compiuto dissezionando diversi cadaveri, sperimentando dunque sul campo ed emancipandosi dai moralismi e dai dogmi assoluti che vigevano nell’epoca precedente. Il tutto con l’aiuto di Tiziano, che si occupò delle illustrazioni dell’opera.

Vedete come qui arte e scienza hanno collaborato in assoluta armonia? Vesalio ha avuto bisogno dell’aiuto di Tiziano, pur conoscendo perfettamente l’anatomia. Come mai, vi starete chiedendo voi?

Questo perchè mentre il punto di vista di un chirurgo disseziona, separa e divide il corpo umano fino a giungere alla struttura della cellula, un artista sa cogliere al meglio la figura umana nel suo insieme, aggiungendo le singole parti in un secondo tempo.

BAROCCO E ROCOCO’

In quest’epoca lo scambio tra arte e scienza si espande ulteriormente fino a consolidarsi, aprendo così la grande epoca del ritratto e del paesaggio, realizzando così in termini visuali le scoperte di Galileo, Cartesio, Keplero e Newton.

L’arte barocca perfeziona ulteriormente il realismo e la comprensione del carattere e dei sentimenti umani,senza per questo rinnegare le scoperte scientifiche, anzi, continuò a fare da portavoce a queste ultime: nella corte di Velazquez e Rubens, nella sofferenza umana di Rembrandt, nei ragazzini malati che Caravaggio faceva posare per le sue opere.

Con il rococò, però, iniziò una fase di stasi in cui la scienza smise piano piano di lavorare in modo disinteressato per il miglioramento della vita dell’uomo, iniziando, infatti, a essere concepita come una mera attività imprenditoriale e commerciale.

Anticipatore di questa tendenza fu il filosofo e matematico Leibniz, consigliere di Federico I di Prussia, che applicò la sua peculiare filosofia delle monadi, atta a spiegare l’origine della materia, anche all’economia di ciascun Stato.

Secondo lui, infatti, la Scienza doveva essere messa necessariamente al servizio di esso come strumento politico per arricchirne l’economia.

Eccovi una descrizione riassuntiva del concetto di monadi:

Le monadi sono, allora, i reali atomi della natura e, in una parola, gli elementi delle cose.” Come sostanze elementari presentano le seguenti caratteristiche: non hanno forma alcuna, poiché essa implicherebbe divisibilità; non possono, in quanto sostanze, essere ne prodotte né distrutte.

Sono individuali: nessuna monade è identica a un’altra; quale essere fondato su se stesso, ogni monade è priva di finestre: nessuna sostanza o determinazione può agire fuoriuscendo da essa o penetrandola. Tuttavia, esse mutano internamente in modo incessante: un impulso interiore verso la perfezione, la cosiddetta appetizione, provoca il continuo passaggio da uno stato all’altro, e tali stati prendono il nome di percezioni. Queste “informazioni” e i loro “programmi” stabiliscono il rapporto della singola monade con tutte le altre monadi dell’universo, come un punto in cui si incontrino un numero infinito di angoli. Visto che le monadi sono prive di “finestre” e, nonostante ciò, stanno in relazione le une con le altre, bisogna presupporre “che ogni monade è uno specchio vivente, capace di attività interiore, che rappresenta l’universo dal suo punto di vista.

Le caratteristiche di queste monadi non vi ricordano proprio quelle della malattia autodistruttiva dell’artista di oggi?

L’ETA’ INDUSTRIALE. IL ROMANTICISMO, NEOCLASSICISMO E IMPRESSIONISMO

La nascita delle grandi monarchie prima e l’avvento della rivoluzione industriale poi sancirono definitivamente la frattura fra arte e scienza, che ormai aveva perso il suo scopo originario.

La visione separatista di Leibniz era così divenuta realtà.

Fu in quest’epoca che nacque il clichè dell’artista ribelle che rema contro le istituzioni, che anzichè supportare le nuove scoperte scientifiche si limitano a perfezionare quelle vecchie e non promuovono i giovani talenti a meno che non seguano le rigide restrizioni delle accademie con i suoi stereotipi puramente neoclassici, anch’esse ormai controllate dallo Stato stesso.

L’arte diventò così strumento di denuncia della condizione umana e di satira politica, assumendo tratti sgraziati e caricaturali; anche l’ultimo baluardo dell’umanesimo, l’Impressionismo di Monet, Renoir, Degas e altri venne immediatamente relegato in un cantuccio, al Salon des Refusèes, nonostante gli sforzi da parte del movimento di venire accettati dall’ambiente accademico.

Questo portò a una carenza di committenza e alla disaffezione del pubblico, che iniziava a non comprendere più l’operato dell’artista maledetto, sempre più introiettato in se stesso e nella sua personale alienazione e che escludeva a priori la prospettiva e l’uomo anatomico nelle sue opere, giudicandoli banali e accademici.

La scienza a questo punto non aveva più bisogno dell’Arte.

La naturale conseguenza di tutto ciò fu che l’arte, da qui in avanti, decise di fare a meno della scienza, peccando di altrettanta presunzione, consolidando completamente questa frattura e proiettandosi nell’età moderna, frammentandosi in innumerevoli correnti artistiche e scoprendo (fatto questo in buona parte positivo) il fascino dell’arte etnica, soprattutto giapponese e africana.

L’Arte, alla luce del XX secolo, assume così una connotazione sempre più egocentrica e psicanalitica,esclusive di intellettuali che sono gli unici in grado di dissertare sull’argomento o, al contrario, diventando esclusivamente utilitaristica e servendo il progresso solo nella forma e non nella sostanza. Cercando rifugio dalle responsabilità del nuovo mondo tecnologico e rifugiandosi in elite esclusive di intellettuali che sono gli unici in grado di dissertare sull’argomento o, al contrario, diventando esclusivamente utilitaristica e servendo il progresso solo nella forma e non nella sostanza.

Attenzione: non sto dicendo che il design e la grafica pubblicitaria siano un abominio, lungi da me fare discorsi così moralisti che fra l’altro non condivido (l’arte non deve svendersi ecc.).

Guadagnarsi da vivere con le proprie capacità è un sogno di molti, anche il mio. Legittima l’esistenza dell’artista in questo mondo e lo fa sentire utile. Ed è anche questo lo scopo di questo post.

Ma ci deve essere per forza qualcos’altro che l’arte può fare per tornare a servire l’uomo!

E’ necessaria una riscoperta del suo più intimo significato e della sua funzione che vada oltre il semplice aspetto estetico di una caffettiera o di una trousse per il trucco, o di un opera d’avanguardia che funge da complemento d’arredo di un loft esclusivo, per quanto esoterico possa essere il significato che ci sta dietro.

E ora veniamo al punto cruciale.

Innanzitutto preciso da subito che il mio post non vuole essere assolutamente a priori contro quelle forme d’arte individuali e strettamente soggettive; anche esse, infatti, possono essere d’aiuto alla persona che le pratica e vendute a chi le apprezza perchè vicine alla sua sensibilità.

Ma in questo senso si è arrivati a un punto di saturazione. Troppe correnti e sottocorrenti artistiche, troppe le immagini che bersagliano i nostri poveri occhi tutti i santi giorni soprattutto mediante la pubblicità.

C’è una confusione incredibile per quanto riguarda la qualità nell’arte, proprio per colpa dell’eccessiva quantità di materiale fruibile.

Se tutto ciò non viene affrontato con una preparazione adeguata (cosa che spesso avviene anche nelle scuole), anzichè aprire la mente ed espandere il nostro stato di coscienza, la ottunde e ottiene come unico risultato proprio la perdita di quella visione d’insieme che è così fondamentale per l’artista. Ed è quello che è successo anche a me.

Così, ecco il fiorire di pseudo-artisti e dilettanti allo sbaraglio, che giocano a fare i personaggi maledetti a tutti i costi e si atteggiano a divi dello star system, solo perchè strimpellano quattro note cantate male oppure i loro disegnini sghembi fanno tanto indie-alternativo.

L’Arte odierna deve tornare utile, indispensabile, riappropriarsi di radici solide, e tornare a parlare alla gente comune, al di fuori della collanina realizzata dalla dilettante di turno che si dà un sacco di arie o dell’oggetto di design.

P.S: Siete ancora convinti che vi stia imponendo delle restrizioni accademiche?

Allora vi dico questo: Socrate affermò con grande acutezza che prima di comprendere la natura della legge bisogna conoscere la legge della natura. Ed è questo che Hogarth intende con l’acquisire delle nozioni e delle regole di base che però non impediscano di tracciare il proprio percorso artistico e che, anzi, ampliano gli orizzonti creativi della persona e gli fanno ottenere risultati che mai avrebbe immaginato di conseguire.

Dunque, non ci sono più scuse!

P.P.S: Il discorso di Hogarth non è certamente nuovo agli addetti ai lavori; so dunque per certo di non aver scoperto l’acqua calda, visto che il tomo in questione è stato pubblicato nel 1958.

Ma ora vi domando: quanti artisti sono veramente riusciti a mettere in pratica il suo discorso? In quanti hanno capito che la maschera pirandelliana del proprio ego andava gettata via una volta per tutte, insieme ai rimbrotti, alle lamentele, ai voli pindarici e sterili della mente, in un atto di infinita umiltà per potersi finalmente riaccostare alla gente comune ed essere veramente di aiuto a loro stessi e agli altri?

Scrivendo questo, sto ovviamente facendo un mea culpa, dato che anch’io ho commesso questo errore in prima persona.

E lancio questa sfida sia a me stessa, che a chi mi sta leggendo, artista o non.

Vuoi davvero fare qualcosa per te stesso e per gli altri, qualcosa di concreto? Allora smettila di lamentarti ed esci dal tuo sterile guscio, studia, costruisciti una base solida, ma non negarti la possibilità di sperimentare e di trovarti un tuo stile personale. Lascia che l’Arte vada di nuovo incontro alla Scienza, facendo esattamente ciò che fecero Tiziano e Vesalio, ma con uno sguardo fresco e moderno sulla realtà.

Non lasciarti uccidere da chi è già morto.

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]]> http://www.lavoro-casa.com/2009/03/ladyvalkan-report-il-ruolo-dell%e2%80%99artista-nella-societa%e2%80%99-del-nulla/feed/ 11 http://www.lavoro-casa.com/2009/02/ladyvalkan-report-linfluenza-degli-stereotipi-sulle-doti-dei-futuri-artisti/ http://www.lavoro-casa.com/2009/02/ladyvalkan-report-linfluenza-degli-stereotipi-sulle-doti-dei-futuri-artisti/#comments Tue, 03 Feb 2009 10:22:55 +0000 Ladyvalkan http://www.lavoro-casa.com/?p=2953

Come potete notare, ho momentaneamente interrotto le mie consuete lezioni per parlarvi di un argomento che inizialmente non vi giungerà nuovo, dato che l’ho accennato più volte nei precedenti post, e cioè di come l’educazione che ci impartiscono da piccoli influisca, ahimè, il più delle volte negativamente sulla nostra creatività.

Orbene… vi anticipo sin da subito che il tema in questione metterà in luce differenze a mio avviso molto marcate tra… “maschietti” e “femminucce”, lanciando così una piccola provocazione.

A costo di dare l’impressione che io voglia mettere le mani avanti, vi posso garantire che il discorso non vuole essere a favore nè di uno, nè dell’altro genere.

Piuttosto, ciò a cui miro è il raggiungimento dell’equilibrio tra le due parti, evidenziando anche i condizionamenti che colpiscono in egual modo entrambi i sessi.

Purtroppo non è colpa mia se tali differenziazioni e limitazioni esistono ormai da tempo immemorabile.

Questo è un dato di fatto. Anche se in tempi recenti si sono attenuate, purtroppo le differenze ci sono anche oggi.

Vediamo nello specifico di cosa stiamo parlando.

LA PERDITA DELLA VISIONE D’INSIEME

Nel percorso artistico di un bambino sono principalmente tre le fasi che si attraversano:

La fase degli scarabocchi: parte dall’anno e mezzo fino a circa tre anni. In questa fase, il bambino traccia scarabocchi prevalentemente circolari, poichè è una forma che viene più naturale disegnare rispetto ad altre con spigoli, per via del movimento che il braccio compie in scioltezza tracciando linee curve.

La fase dei simboli: va dai tre anni e mezzo circa fino ai sei-sette anni. Qui si iniziano a dare i nomi alle cose, e si scopre che i simboli, adeguatamente uniti tra di loro, danno luogo a soggetti ben identificabili, come ad esempio il papà e la mamma, la casa o un gatto.

La caratteristica che salta di più all’occhio è come in questa fase il bambino abbia un senso della composizione e della visione d’insieme pressocchè perfetti; gli spazi pieni e vuoti sono sempre perfettamente bilanciati tra di loro in ogni composizioni.

La fase del realismo: questa fase inizia dagli otto-nove anni e solo in rari casi sfocia in un’effettiva capacità di disegnare ciò che realmente si vede. Solo in coloro che per puro caso scoprono la funzione D in maniera più o meno spiccata.

Qui i ragazzi si sforzano di far sembrare più realistici possibile i propri disegni, ma (vale per entrambi i sessi) perdono il gusto per le composizioni equilibrate e i paesaggi, concentrandosi su soggetti singoli (ritratti, oggetti di svariato tipo ecc) senza calarli in un particolare contesto,  sulla cura dei dettagli e delle minuzie, dato che i ragazzi in questa fase tengono veramente moltissimo al realismo dei loro lavori.

L’INFLUENZA DEL SISTEMA DI SIMBOLI

Gli insegnanti deplorano questa tendenza e criticano gli allievi di mancanza d’originalità e di avere pessimo gusto.

In molti casi, in questa fase, vengono rovinati molti potenziali artisti, più di quanto si possa immaginare. Purtroppo, questi insegnanti non capiscono che prima di trovare una propria originalità, lo studente DEVE imparare a disegnare la realtà. Desiderio più che legittimo!

Non si nasce “Picasso”, già belli e pronti. Picasso si diventa. E anche Picasso imparò a disegnare con la funzione D e partì da soggetti realistici.

Ora arriviamo alla parte, diciamo così, più scottante del nostro discorso. Perchè, a mio avviso, è proprio in questa fase che le differenze tra ragazze e ragazzi iniziano a farsi sentire maggiormente.

Il preadolescente inizia lo sviluppo del fisico ed esce dalla fase infantile. La vita lo sottopone a nuove sfide e la società gli richiede, più o meno implicitamente, di entrare in un ruolo ben definito.

Se l’individuo è “diverso” in qualcosa, anche solo di una virgola, guai per lui/lei! Ciò avviene in tutti gli aspetti della sua vita, anche nel suo potenziale creativo, che il più delle volte viene inibito per sempre. Solo in rari casi ci si salva, poichè si creano per puro caso le condizioni ideali con le quali l’individuo riesce a sviluppare indisturbato le sue doti.

La differenza tra i ragazzi e le ragazze sta nel fatto che sulle seconde si riversano molti più “codici impliciti” da rispettare. Cambiano a seconda delle epoche storiche e solo nella forma, ma non nella sostanza; anche il sesso maschile ne è vittima, ma in misura decisamente inferiore, e la storia insegna.

Ciò che più mi interessa, ora, è dunque focalizzarmi sugli effetti che questi condizionamenti hanno sulle potenzialità creative di ciascun individuo, a prescindere dal sesso di quest’ultimo.

Basta dare un’occhiata ai temi prediletti dagli uni e dagli altri.

I ragazzi imparano più facilmente a disegnare anatomie e dettagli tecnici, poichè i loro soggetti preferiti sono eroi muscolosi e macchine e moto di vario genere, che spesso copiano da riviste oppure dai comics americani, molto curati per quanto riguarda i personaggi e le ambientazioni.

Le ragazze, invece, inflazionano molto di più i loro temi: pelouche, fiori, personaggi da fumetti esclusivamente per ragazze (disegnati in modo stilizzato e dalle tematiche parecchio edulcorate) e hanno molta più paura dei ragazzi a scendere in dettagli anatomici, come ad esempio le mani, caso molto frequente.

P.S: Queste premesse possono impedire ai futuri artisti, uomini o donne che siano, di dare il meglio di se stessi. Perchè l’ Arte, quella con la A maiuscola, ha il compito di porgere in dono all’umanità un qualcosa che non ha sesso e che fa parte del Tutto e che chiunque, maschio o femmina che sia, può esprimere al meglio se riesce a svincolarsi dal sistema di simboli imposto sin dall’infanzia da un modello educativo ormai sorpassato.

P.P.S: Questo dovrebbe essere il compito meraviglioso dell’Arte in tutte le sue manifestazioni, che si tratti di un fumetto, di un quadro, di un’opera architettonica o di una canzone d’amore.

Per il momento è tutto, dalla vostra inviata speciale Ladyvalkan… che si smaterializza con un sonoro SWOOOOSH e vi aspetta per la seconda parte del report. A presto!

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Ciao e bentornati alle lezioni su come disegnare i manga in modo intuitivo!

Questa lezione tratterà un punto fondamentale per chi vuole seriamente imparare a disegnare, nella fattispecie la figura umana con le esatte proporzioni e anatomie con l’ ausilio del manichino, strumento parecchio utile, specialmente agli inizi del nostro percorso di artisti.

Pronti come sempre?

Si parte!

SWOOOSH!!!

PRIMA DI INIZIARE

Innanzitutto sarà bene procurarci l’apposito manichino di legno, che potete trovare facilmente nei negozi specializzati in materiale artistico oppure negli empori di articoli da regalo, o ancora nelle cartolibrerie più fornite.

Ve ne sono un pò di tutti i prezzi a seconda della dimensione, scegliete quello più adatto alle vostre esigenze. Non è obbligatorio spendere un capitale, l’utilità del manichino è sempre la medesima, quella di farvi da cicerone nello studio delle pose del corpo umano.

IL MANICHINO: STUDIO DELLE POSE DEL CORPO UMANO

Ora, per iniziare ad allenarvi, mettetelo di fronte a voi, in posizione frontale e in piedi con le braccia lungo i fianchi, ad una distanza all’ incirca di almeno 40-50 cm per cogliere al meglio la figura nel suo insieme, altrimenti rischiate di sbagliarne le proporzioni.

Poi, tracciate sul foglio una linea retta aiutandovi con un righello o una squadra, e suddividetela in otto parti uguali tracciando delle linee orizzontali perfettamente perpendicolari all’asse.

Questa che avete appena tracciato sul foglio è la proporzione aurea del corpo umano; è ovviamente di riferimento per imparare da subito le corrette proporzioni tra le varie parti del manichino e andrà riproporzionata a seconda del soggetto quando disegnerete dal vero.

Adesso potete iniziare a disegnarlo. Noterete che il manichino vi abituerà a considerare le varie parti del corpo come solidi geometrici stilizzati: il viso è un ovale, il busto un tronco di cono, i polpacci e le braccia altrettanto, le giunture degli arti delle sfere ecc.

Rifacendoci alle nostre lezioni precedenti, cercate di implementare il disegnare con l’ emisfero destro del cervello più che potete anche in questo esercizio, concentrandovi, ad esempio, sullo spazio vuoto presente tra le gambe, oppure sulla distanza tra le spalle e la fine del busto e così via.

Vi può aiutare un piccolo accorgimento: prima di iniziare, disegnate solo il viso, poi l’asse delle spalle, quella del bacino e infine la linea su cui poggiano i piedi, misurando la distanza tra l uno e l altro elemento ponendo di fronte a voi la matita col braccio ben teso e prendendo la misura facendo scorrere il pollice sulla stessa.

Vi potete aiutare anche, se vi trovate bene con questo metodo, disegnando inizialmente solo gli assi interni alle varie parti, come se disegnaste un vero e proprio omino-stecchino, sì, proprio come quelli che disegnavate da piccoli, e solo successivamente tracciare la parte intorno all’asse stessa.

Quando avrete finito, passate ad altre posizioni muovendo il manichino dapprima in posture semplici, poi via via più complesse, fino ai limiti del contorsionismo se questo vi diverte!

Sbizzarritevi il più possibile, poichè questa è una fase molto delicata nell’apprendimento delle corrette proporzioni del soggetto, e più vi abituate a muovere le vostre figure, più eviterete di ottenere nei vostri fumetti e illustrazioni il tanto famigerato effetto “paletto” che ammorba le più svariate fanart e produzioni amatoriali in giro per la Rete, oltre che, in alcuni casi, anche svariati manga dal notevole successo commerciale che non sono certamente da prendere come esempio.

P.S.: Una volta che sarete in grado di padroneggiare al meglio le posture e le proporzioni del suddetto manichino, provate a prendere delle foto dalle riviste che preferite e, con un pennarello dal colore che preferite, disegnate il manichino appena all’esterno delle parti anatomiche. Questo esercizio vi preparerà alla prossima lezione che inizierà a trattare l’anatomia umana più in dettaglio.

P.P.S: Ora, se disegnavate già da qualche tempo prima di iniziare a seguire le mie lezioni, prendete un vostro personaggio che avevate già disegnato in precedenza e ridisegnatelo dapprima tracciando il manichino, mettendolo nella posa precedentemente assunta dal vostro personaggio e successivamente la figura per intero. Notate delle differenze dal vostro lavoro precedente? E se sì, dove?

E con questo è davvero tutto per questa lezione. Ladyvalkan si volatilizza con uno SWUUUUSH… e vi lancia un temibile colpo Super Slash, se non vi esercitate!
Dunque state attenti… ai colpi d’aria! Data la stagione, non si sa mai… :D

Alla prossima puntata!

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Esiste un modo per fare quanto annunciato nel titolo? Forse si! Forse numerosi! Ma io ne conosco uno che per quanto mi riguarda funziona alla grande.

La giornata passa un po’ per tutti ad aspettare il cenone finale, quello dove ci si raccoglie con amici e familiari per festeggiare il capodanno. Ma nel mentre? Che si fa nell’attesa?

Ecco. È qui che ho incastonato il mio piccolo rituale. Una liturgia speciale di meditazione. Un consuntivo della mente che ripercorre veloce i mesi passati soffermandosi sugli obiettivi raggiunti e su quelli da mettere in preventivo per l’anno nuovo.

A che serve? A farti capire quanto sei grande! Ogni tanto è importante ricordarselo. Nella vita di tutti i giorni non si fa caso ai piccoli successi. Si acquisiscono come fatti normali. In realtà, sono momenti che andrebbero celebrati ogni volta.

Non possiamo farlo durante l’anno, non abbiamo tempo. Ma ora si! Ora che aspettiamo la mezzanotte, nessuno ci impedisce di allontanarci un momento dal gruppo e fare uno scan disk veloce dell’anno appena trascorso.

L’anno passato

Io penso al 31 dicembre del 2007. Avevo da completare “Guadagnare soldi con internet – Premium”. Un libro che mi ha dato molte soddisfazioni. Uno dei miei migliori lavori sul business online.

“Fai Soldi Online Disegnando” era già nel catalogo tra gli eBook più venduti di lavoro-casa.com. Nei mesi successivi ha dato risultati davvero scioccanti.

Ricordo che nella primavera del 2008 cominciai a rendermi conto che il blog era uno strumento portentoso. Di lì mi focalizzai sulle sue potenzialità nascoste e cominciai una ricerca attenta del template che avrei usato poi con il passaggio che c’è stato a ottobre, quando lavoro-casa.com ha abbandonato definitivamente il sito e il vecchio blog per trasferirsi sulla struttura attuale.

Il Coaching

Nel frattempo, un altro settore del mio business cominciò ad espandersi, fino ad arrivare a un punto critico. Sto parlando del Coaching. Forse non tutti sanno che a novembre del 2008 avevo acquisito così tanti coaching che ero completamente in panne. Ne parlai con molti colleghi. Mi consigliai con loro. Non sapevo come gestire un così grosso carico di lavoro, ma soprattutto mi resi conto che stavo perdendo la mia libertà, quella di cui sono sempre andato fiero da quando lavoro da casa.

Così decisi di declinare molti incarichi e di riappropriarmi della mia piacevolissima vita. Ecco perché ho ripristinato il prezzo di una volta.

Quante cose sono successe! Se solo ci penso…

Il template di lavoro-casa.com

Col nuovo sito/blog c’è stato un amore a prima vista. Quello su cui stai leggendo è un template che ho acquistato negli Stati Uniti. L’ho provato per diverse settimane prima di mandarlo ufficialmente online.

Dopo un pò ho comprato anche un plugin straordinario che mi permette di gestire i post a pagamento e di fare lead generation come nessuna squeeze page ha mai fatto.

Peccato per gli infomarketer che si affezionano alle conquiste e credono di doversele portare dietro per sempre. Il web è un affare veloce. A volte è divertente anche provare a fare le cose in modo ancora più veloce. Si usano le squeeze per generare lead? E noi facciamo diversamente.

Devo ammettere che quando installai il plugin per le membership non pensavo di poterlo sfruttare come spremi nomi. Ma che ci vuoi fare? Sono cose che capitano solo quando agisci. L’azione genera sempre altra azione. È un loop. Il loop del successo.

L’accademia del Nuovo Laovoro Intellettuale

E l’accademia? Ricordi l’Accademia del Nuovo Lavoro Intellettuale? Un progetto strepitoso nato dall’eBook “Come Diventare Ricchi subito dopo la Laurea” e messo in piedi con il mio amico Alex Billico. È stato un progetto non riuscito. Ma fa parte delle nostre esperienze, della nostra crescita. Il bello di internet è proprio questo. Se hai delle idee, puoi testarle immediatamente. Se non funzionano, non ci perdi nulla!

WLG Top 10

Di qui è nata WLG Top 10, l’attuale scuola per i professionisti che vogliono sfruttare il web per monetizzare il sapere specialistico e per affermarsi sul mercato. Vuoi sapere una cosa? C’è ancora spazio. Se sei un professionista e vuoi partecipare a Top 10, puoi farlo da qui. Nell’area riservata trovi tutte le lezioni postate fino ad oggi. Puoi metterti subito al passo con i tuoi compagni e avere un blog professionale e redditizio come il mio.

Sono tanti i ricordi meravigliosi del 2008. Sono tanti i momenti di successo che andrebbero celebrati con un cenone di capodanno.

Ma ora vediamo cosa succederà nel 2009.

L’anno nuovo

Tutti hanno notato che molti articoli su lavoro-casa.com sono a pagamento. Sono post tutorial con elevati contenuti formativi (circa un ventina ogni mese). Ciascuno ha il suo prezzo, che varia da 7 a 29 euro.

Abbonamento mensile a Lavoro Casa Premium

Ecco la novità. Già da oggi puoi sottoscrivere un abbonamento mensile al prezzo di 39 euro e avere accesso a tutti gli articoli a pagamento. Tranne, ovviamente, quelli riservati alla membership di WLG Top 10.

Molti dei miei lettori acquistano tutti i tutorial e spendono più 250 euro al mese per formarsi e per seguire le strategie della WLG. Grazie a questa offerta, oggi possono avere accesso a tutti gli articoli riservati al solo prezzo di 39 euro.

Come fare? Basta andare sulla pagina di iscrizione e spuntare l’abbonamento mensile a 39 euro. Il sistema ti invia una password per accedere ovunque, e il gioco è fatto!

Conviene farlo non solo per il risparmio che si ottiene con l’abbonamento, ma perché il 2009 è l’anno del blog. Ci saranno centinaia di migliaia di nuovi utenti, e solo chi è pronto, preparato e capace di fare business, potrà monetizzare le sue informazioni.

Lavoro-casa.com ha già programmato il percorso dei tutorial. Ci saranno cicli formativi su ogni argomento. Dei veri minicorsi di 3 tutorial, altri da 6 e altri ancora da 9. Chi non sa muoversi online, imparerà a farlo. E chi ha già un blog, con le tecniche della WLG, saprà trasformarlo in un progetto redditizio a lungo termine.

Il diavolo usa WordPress

Ma la grande novità del 2009 è senza dubbio “Il diavolo usa WordPress”, un libro di business dai contenuti assolutamente inediti e scottanti. Se vuoi saperne di più, guarda il trailer e scarica subito l’anteprima.

Aggiungo solo che da questo eBook scaturiranno tutte le iniziative del 2009.

Le novità per i disegnatori

Con Lady Valkan abbiamo programmato un anno meraviglioso per chi vuole crearsi un business nel mondo della grafica e del design. Nuovi modelli di business si stanno imponendo già sul mercato americano. E noi che siamo accorti a questo settore, li abbiamo vagliati per importarli. Seguitici e ne avrete delle belle!

Buon Anno a tutti!

Auguri di cuore a tutti voi che mi seguite. Che possiate essere pronti per il nuovo anno, il 2009. L’anno del blogging business!

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Il tuo più grande sogno è quello di imparare a disegnare i manga come Kosuke Fujishima? Molto bene! Allora sei capitato nel posto giusto.

Eccoci dunque alla terza lezione sul disegno dei manga e dei fumetti in genere.
Mi auguro che, nel frattempo, tu abbia passato un felice Natale in compagnia dei tuoi cari.

Ma ora torniamo a noi e alle due precedenti lezioni riguardanti l’introduzione al disegnare con la parte destra del cervello e alla seconda lezione che facilitava il processo facendoti disegnare un’ immagine capovolta.

In queste due lezioni (prima e seconda) ho cercato di aprire la tua mente riguardo a una concezione del disegno completamente diversa da quella accademica che viene solitamente insegnata nelle scuole. Ciò che ne consegue è molto limitante, sia per la nostra creatività, sia per la nostra reale capacità di disegnare i  soggetti con le giuste proporzioni e di collocarli correttamente nello spazio, relazionandoli tra di loro e con l’ambiente circostante.

Il metodo insegna dunque a disegnare con la parte destra del cervello, facendoci accantonare tutto quel sistema precostituito di simboli che ci abituano ad assimilare sin dall’ infanzia.

Bene. Ora che abbiamo riassunto il contenuto delle 3 lezioni precedenti…

Si parte!
SWOOOOSH!

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